Художественные стили эпохи Просвещения
Эпоху Просвещения характеризует противостояние двух стилей-антагонистов — классицизма, основанного на рационализме и возвращении к идеалам античности и возникшего как реакция на него романтизма, исповедующего чувственность, сентиментализм, иррациональность. Сюда же можно добавить третий стиль — рококо, который возник как отрицание академического классицизма и барокко. Классицизм и романтизм проявили себя во всем — от литературы до живописи, скульптуры и архитектуры, а рококо — в основном только в живописи и скульптуре.
Классицизм
Классицизм (от лат. classicus — образцовый) сложился в XVII веке во Франции, а в XVIII веке он превратился в международное явление, включив в свою орбиту, по мере распространения идей Просвещения, практически все европейские страны. Обращение к античному наследию как некой норме и идеальному образцу происходило в Европе не единожды. Очередная попытка могла ничем не завершиться, если бы ностальгия по великому прошлому не упала на подготовленную рационалистической философией почву.
Основываясь на представлениях о разумной закономерности мира, о прекрасной облагороженной природе, классицизм стремился к выражению возвышенных идеалов, к симметрии и строгой организованности, логичным и ясным пропорциям, наконец, к гармонии формы и содержания литературного, живописного или музыкального произведения.
Иными словами, классицизм стремился все разложить по полочкам, для всего определить место и роль. Не случайно эстетическая программа классицизма устанавливала иерархию жанров — «
Для театрального искусства классицизма характерны торжественный, статичный строй спектаклей, размеренное чтение стихов.
Основоположником европейской классической комедии является французский комедиограф, актер и театральный деятель, реформатор сценического искусства Мольер (наст. имя Жан-Батист Поклен) (1622—1673). Долгое время Мольер путешествовал с театральной труппой по провинции, где знакомился со сценической техникой и вкусами публики. В 1658 г. он получил разрешение короля играть со своей труппой в придворном театре в Париже. Опираясь на традиции народного театра и достижения классицизма, он создал жанр социально-бытовой комедии, в которой буффонада и плебейский юмор сочетались с изяществом и артистизмом. Преодолевая схематизм итальянских комедий дель арте (ит. commedia dell’arte — комедия масок; основные маски — Арлекин, Пульчинелла, старик купец Панталоне и др.), Мольер создал жизненно достоверные образы. Он высмеивал сословные предрассудки аристократов, ограниченность буржуа, ханжество дворян {«Мещанин во дворянстве», 1670).
Наиболее зрелым воплощением комедии нравов признаны «Севильский цирюльник» (1775) и «Женитьба Фигаро» (1784) великого французского драматурга Пьера Огюстена Бомарше (1732— 1799). В них изображен конфликт между третьим сословием и дворянством. На сюжеты пьес написаны оперы В.А. Моцарта (1786) и Дж. Россини (1816).
Классическая комедия развивалась также в Италии и Англии. И в XVIII в., несмотря на экономический спад, Венеция оставалась столицей карнавалов, театров и беззаботного веселья. В этом небольшом городе работало семь театров — столько, сколько в Париже и Лондоне вместе взятых. На венецианские карнавалы тогда, как и двести лет спустя, съезжались люди со всей Европы. Здесь творил 
Он осуществил просветительскую реформу итальянской драматургии и театра, вытеснив искусственный жанр комедии дель арте реалистической драматургией, с живыми характерами, остроумной критикой пороков общества. Его перу принадлежит 267 пьес, в том числе «Слуга двух господ» (1745—1753), «Хитрая вдова» (1748) и «Трактирщица» (1753). Современником Гольдони был Карло Гоцци (1720—1806). Он писал сказки (фьябы) для театра с мотивами фольклора и элементами комедии дель арте: «Любовь к трем апельсинам» (1761), «Турандот» (1762) и другие о жизни театральной Венеции.
Крупнейшим английским драматургом XVIII века был Ричард Бринсли Шеридан (1751 — 1816). Наибольшую известность получили его комедии нравов, прежде всего «Школа злословия», направленная против безнравственности «высшего» света, пуританского лицемерия буржуа.
Если Мольера называют основоположником классической комедии, то родоначальниками классической трагедии считают двух других французов. В пьесах Пьера Корнеля (1606—1684) и Жана Расина (1639—1699) строго выдержано золотое правило классической драмы — единство места, времени и действия.
Строгие правила классицизма сформулировал французский поэт Никола Буало (1636—1711) в своем «Поэтическом искусстве», где он обобщил художественный опыт французской литературы XVII века.
Поэтика Буало оказала влияние на эстетическую мысль и литературу XVII—XVIII вв. многих европейских стран, в том числе России.
В живописи тенденции классицизма намечаются уже во второй половине XVI века в Италии. Однако его расцвет наступил только во французской художественной культуре, где из разрозненных элементов он сложился в целостную стилевую систему. Основой теории классицизма был
Иногда специалисты различают академический классицизм первой половины XVII века и неоклассицизм конца XVIII — начала XIX вв.
Представителем академического классицизма в живописи Франции являлся Никола Пуссен (1594—1665). Его заказчики принадлежали к кругу буржуазных интеллектуалов Парижа, увлекавшихся философией античных стоиков. Темы пуссеновских полотен разнообразны: мифология, история, Ветхий и Новый Завет. Герои Пуссена — люди сильных характеров и величественных поступков, высокого чувства долга. Пуссен явился создателем классического идеального пейзажа в его героическом виде. Пейзаж Пуссена — это не реальная природа, а природа «улучшенная», созданная художественным вымыслом живописца. Его картины, холодные, суровые, умозрительные, называли «замерзшими скульптурами». Образцом для них послужила античная пластика и мир античных героев.
Через 100 лет к холодным и возвышенным идеалам античного искусства вернется другой знаменитый француз — живописец Давид (1748—1825).
Возвращение классицизма получит наименование
Между двумя классицизмами — ранним (академическим) и поздним (неоклассицизмом) господствующие позиции занял стиль рококо.
Искусство рококо
Рококо зародилось в XVII веке, а превратилось в господствующий стиль в XVIII. Пожалуй, это самый характерный для французов стиль, в нем сконцентрировались особенности национальной психологии, образ жизни и стиль мышления высшего класса. Рококо — порождение исключительно светской культуры, прежде всего королевского двора и французской аристократии. Термин «рококо», произошедший от французского «рокайль» (буквально: бриллиант и украшение из раковин), появился в конце XVIII века.
Искусство рококо построено на асимметрии, создающей ощущение беспокойства — игривое, насмешливое, вычурное, дразнящее чувство. Сюжеты — только любовные, эротические, любимые героини — нимфы, вакханки, Дианы, Венеры, совершающие свои нескончаемые «триумфы» и «туалеты». Для рококо характерен уход от жизни в мир фантазии, театрализованной игры, мифологических и пасторальных сюжетов, эротических ситуаций. Скульптура и живопись изящны, декоративны, в них преобладают галантные сцены.
Статуэтки и бюсты предназначены для убранства интерьера. Стены обильно украшены лепниной, ажурным орнаментом, позолотой и мелкой пластикой, декоративными тканями, бронзой, зеркалами. Хрустальные люстры, изящная мебель с инкрустацией дополняли впечатление праздника. Мир миниатюрных форм нашел свое главное выражение в прикладном искусстве — в мебели, посуде, бронзе, фарфоре.
Рококо можно считать лебединой песней уходящей в историю феодальной аристократии. На смену ей шла буржуазия с новыми, более упрощенными интересами и грубыми художественными вкусами. Дворянская эпоха уходила красиво, создав неподражаемый стиль утонченной изысканности. В это время, т. е. со второй половины XVII столетия, Франция и королевский двор прочно и надолго занимают ведущее место в художественной жизни Европы.
Искусство и архитектура рококо отличались особой образностью и оригинальностью. Отвергнув принцип классицистической декоративности, новый стиль предложил взамен образ элегантной фривольности. Наибольшего блеска это искусство достигло во Франции.
Людовик XIV (1643—1715) отошел от торжественной пышности барокко ради более непринужденного и гедонистического искусства. Были отвергнуты и строгие правила академического классицизма последователей Пуссена: придворная аристократия явно склонялась к темам чувственного удовольствия и любви к роскоши.
Выдающимся французским представителем рококо являлся Антуан Ватто (1684—1721). Им создано около 300 картин и рисунков. В бытовых и театральных сценах, галантных празднествах, отмеченных изысканной нежностью красочных нюансов, трепетностью рисунка, он воссоздал мир тончайших душевных состояний. Его картины изобилуют причудливыми украшениями, криволинейностью линий, завитками, словно напудренный парик знатной дамы или ее кавалера. Под влиянием мифологических «поэзий» Тициана и Веронезе он изображает мир покоя, идиллии, грез.
Другим ярким выразителем этого художественного стиля был Франсуа Буше (1703—1770). Сын орнаментщика и торговца эстампами, он сделал блестящую карьеру, стал «первым художником короля», директором Академии.
Буше умел делать все: картины для богатых домов и дворцов, картоны для мануфактуры гобеленов, театральные декорации, книжные иллюстрации, рисунки вееров, обоев, каминных часов, эскизы костюмов. Но больше всего он прославился своими декорациями и портретами, которые по-домашнему просты и естественны. Игривая обнаженность, мягкие краски, сладострастные позы женских портретов передавали истинный дух искусства рококо, атмосферу томного гедонизма, царившую при Версальском дворе.
4. Художественные стили эпохи Нового времени
Искусство отразило многие проблемы и
ценности бурной эпохи. Переплетение
феодальных и капиталистических отношений,
многообразие форм политического
правления, борьба Реформации и
Контрреформации, интенсивное развитие
наук, открытие новых земель привели к
переменам в мировоззрении людей. Эти
факторы поколебали представления об
исключительности человека в мире,
поставили личность перед проблемой
незащищенности от природных стихий,
общественных потрясений и воли рока.
Ощущение изменчивости, быстротечности
жизни нашло воплощение в соответствующих
художественных темах и сюжетах. Наиболее
рельефно своеобразие европейской
культуры XVII-XVIII вв. отразилось в
художественных стилях барокко,
классицизма, рококо, протореализма.
Барокко. Происхождение термина «барокко» до конца не выяснено. Чаще всего его связывают с итальянскими словами «причудливый», «странный» или латинским обозначением одной из фигур в логике. Стиль барокко возник и получил наиболее яркое воплощение в Италии, но наполнял художественную жизнь многих европейских государств XVII – середины XVIII в., приобретая национальные особенности.
Декоративный стиль охватил все сферы
искусства, проник в духовную жизнь и
мировоззрение европейцев. Идея
непрерывного движения, заявленная в
науке Нового времени, проявилась в
динамичности художественных композиций.
Барокко характеризуют условность и
аллегоричность создаваемых образов.
Расширившиеся знания человека указывали
на безграничность бытия, недостаточность
рационалистического мышления.
Желание
выйти за границы возможного определило
такие черты стиля, как экспрессия, порыв,
драматизм, иллюзорность, интерес к
дисгармоничному, фантастическому,
гротескному. В барокко получили
продолжение идеи Контрреформации. Сама
художественная деятельность, осуществляемая
в данном стиле, была поставлена на службу
католической церкви.
Архитектура барокко отражала идею изменяющегося мира. Динамизм достигался здесь через использование таких приемов, как разница в масштабах, деление здания или его плоскости выступами и проемами, текучесть форм, неуловимое слияние сводов с куполами в церквях, обилие завитков и овалов, изогнутые и прерывистые антаблементы, слияние архитектурного ансамбля с окружающим пейзажем. Важным средством создания ощущения иллюзорности и динамичности мира стали светотеневые эффекты. Ярким образцом архитектурного барокко являются церкви Сан Карло, Сант-Иво, Сант-Аньезе, созданные знаменитым зодчим Франческо Борромини.
Характерной чертой стиля барокко в
портретной скульптуре стало стремление
понять и выразить, прежде всего,
психологическое состояние человека.
Его целенаправленная активность и
характер изображались в неразрывном
единстве. Скульпторы барокко питали
особое пристрастие к целостным группам,
многофигурным композициям, в которых
впечатление неистовства и бесконечного
движения достигалось благодаря динамичным
разворотам тел. Скульптуре этого стиля
свойственна гармония с окружающим
ландшафтом парка или площади (фонтан
Четырех рек в Риме Л. Бернини, фонтан
Треви в Риме Н. Сальви).
В произведениях Лоренцо Бернини
угадывается талант психолога, способного
точно передать характер героя («Давид»,
композиция «Экстаз святой Терезы»,
портрет кардинала Боргезе). Бернини был
непревзойденным мастером световых
эффектов. Он сочетал текучую пластику
с рассеянным светом и цветовым освещением,
«чтобы заставить зрителя забыть о
материале, отдаться иллюзии изображенной
материи, превращению мрамора в мягкое
обнаженное тело или в кружева, или в
облака» (Б.Р. Виппер). Так, в «Экстазе
святой Терезы» свет желтого стекла,
встроенного в специальную нишу, создавал
тревожное мистическое настроение.
Стиль барокко наиболее ярко воплотился в архитектуре и скульптуре, но был свойственен и живописи, где проявился в различных темах и жанрах, отражавших многообразие мира. Появлялись художники, которые специфическими средствами барокко создавали бытоприземленные религиозные сцены. Среди живописцев Италии, стремившихся сочетать нормативы барокко с приемами реалистического изображения, следует назвать Микеланджело да Караваджо («Призвание апостола Матфея», «Успение Марии»).
Своеобразие искусства Фландрии (нынешняя Бельгия) состояло в том, что оно в большей степени ориентировалось на вкусы бюргерства. Фламандские живописцы поэтизировали телесные наслаждения, радости человеческого бытия, наполняли свои произведения неисчерпаемой жизненной энергией. Образ сильного, уверенного в себе человека нашел воплощение в разнообразных живописных жанрах. Ведущими мастерами барокко во Фландрии были Питер Пауль Рубенс и Якоб Йордане.
Классицизм. В культуре Европы Нового
времени сформировался еще один стиль
– классицизм (от лат.
classicus– образцовый), составивший определенную
оппозицию стилю барокко. Его родиной
была Франция, пережившая в XVII в.
экономический взлет и ставшая
могущественной европейской державой.
Классицизм возник на волне цивилизационного подъема французской нации и французского государства. В XVII в. этот стиль отражал идеалы абсолютизма (всеобъемлющий порядок, рациональная соподчиненность, строгая дисциплина, служение государству). В XVIII в. он был связан с идеями Просвещения (культ разума, интерес к общественной жизни, воспитание средствами искусства) и Великой французской революции (тема героизма).
Характерными чертами классицизма стали нравственный пафос, утверждение гражданственных идеалов, культ героического, интерес к вечному и неизменному, вера в разумного человека, сознающего свой общественный долг, требование показывать только значительное и возвышенное. Эстетическим и этическим идеалом данного стиля служила античность.
На основе рационалистически истолкованной
античной традиции классицизм устанавливал
свои канонические правила в архитектуре,
скульптуре и живописи: равновесие в
построении композиции, симметричность
форм, ясность и четкость изображения,
упрощенный декор с элементами героики
(скрещенные шпаги, знамена, львиные
маски, грифоны), цельность характера
героев, гармония человека и облагороженной
им природы (Версальский и другие
регулярные парки).
Классицизму были
присущи мечтательность, идеализация и
холодноватая отвлеченность.
Черты классицизма ярко проявились в
литературе, где ведущая роль принадлежала
этическим коллизиям типизированных
героев. Теоретиком классицизма стал
поэт Никола Буало. Выдающимися образцами
драматургии признаны трагедии Пьера
Корнеля, основанные на конфликте долга
и страсти («Сид»), прославлении героической
воли («Гораций», «Цинна»). Критика
деспотизма, разоблачение необузданной
воли к обладанию властью, взывание к
нравственному очищению характеризуют
трагедии Жана Расина («Британник»,
«Береника»). Мольер (Жан Батист Поклен)
объединил традиции народного театра с
достижениями классицизма, создав жанр
социально-бытовой комедии, высмеивающей
человеческие пороки, сословные
предрассудки и ограниченность обывателей
(«Мещанин во дворянстве», «Тартюф, или
Обманщик», «Скупой»). Основоположниками
художественного мировоззрения
классицизма, создателями канонов,
формальных нормативов данного стиля в
живописи явились Николо Пуссен и Клод
Лоррен.
Излюбленная тема Н. Пуссена, «холодного философа» и нравственного пророка в искусстве, – античные мифы. Сознательно отказавшись от изображения настоящего, художник тем самым противопоставил идеальное героическое прошлое погрязшей в пороках современности. В своих произведениях Пуссен воплотил стремление к величественному спокойствию, благородной сдержанности, гармонии («Аркадские пастухи», «Танкред и Эрминия»).
Новый всплеск классицизма был связан с Великой французской революцией, когда оказался востребованы идеалы героизма, высокого самопожертвования, служения гражданскому долгу. Эти идеалы воплощал в своих художественных полотнах лидер французского неоклассицизма в живописи Жак Луи Давид («Клятва Горациев», «Смерть Марата»).
Архитектура Франции также тяготела к
классицизму. Этот стиль вырисовывается
уже в композициях реконструированного
Лувра и дворцового ансамбля Версаля –
в общем конструктивном решении
величественных сооружений, строгой
регулярной планировке. Однако пышный
интерьер построенного по указу Людовика
XIV Версальского дворца с зеркалами,
резьбой, бюстами, гобеленами, декоративной
живописью выполнен в стиле барокко.
В неоклассической скульптуре XVIII – начала XIX в. наблюдается обращение к строгим и лаконичным решениям, героическим образам, античным идеалам гражданственности, благородной простоте и спокойному величию. Ее выдающиеся представители Жан Антуан Гудон («Вольтер, сидящий в кресле»), Антонио Канова («Амур и Психея», «Полина Боргезе в образе Венеры») и Бертель Торвальдсен («Ясон», «Ганимед, кормящий Зевсова орла») оказали большое влияние на развитие европейской академической скульптуры XIX в.
Рококо. Стиль рококо (франц. rococo)
получил развитие во Франции в первой
половине XVIII в. Витые формы, часто
использовавшиеся в произведениях
данного стиля, ассоциировались с этим
творением моря. Искусство рококо
отличалось стремлением укрыться в
царстве мечты, отгородиться от грубой
реальности театральной праздничностью
и легкомысленной бездумностью. Однако
в лучших произведениях, созданных в
стиле рококо, за легкомыслием и иронией
угадываются душевная усталость,
пресыщенность и отстраненность от
жизненных тревог; в них все еще теплятся
медленно угасающие утонченные
рафинированные чувства.
Искусство рококо строилось порой на игривости, насмешке, причуде. Его отличают камерность, интимность, тесная связь с театрализованным бытом. В изобразительном искусстве стиль рококо выразился в изогнутых линиях, ажурных, дробных, миниатюризированных формах, прозрачных светлых красках, любовных и эротических сюжетах, подчеркнутой декоративности и орнаментальности. Все это передавало лирическое, несколько ироничное мировосприятие. Художниками создавались яркие изображения для украшения интерьеров, сюжетные произведения на бытовые и мифологические темы, портреты, пейзажи.
Наиболее глубоко особенности данного стиля выразились в творчестве Антуана Ватто – тонкого психолога, способного передать мгновенно схваченные изменчивые эмоции, мастера красочных оттенков. В его лучших работах просвечивают печальная ирония, душевная усталость, одиночество («Жиль», «Общество в парке»).
Достижения Ватто были по-разному
восприняты и развиты его современниками.
Аристократически-рокайльное направление
во всем своем блеске представлено
изысканной живописью Франсуа Буше, Жана
Оноре Фрагонара.
Своеобразно проявился этот стиль в архитектуре (преимущественно в искусстве интерьера) и связанном с ней декоративно-прикладном искусстве. Последнее ориентировалось не только на эстетические критерии, но и на требования аристократической моды. В стиле рококо создавались и объекты малой архитектуры – увеселительные легкие сооружения (беседки, павильоны), декоративно-орнаментальные украшения которых отличались большим разнообразием. Типичным сооружением, выполненным в стиле рококо, является отель Субиз, возведенный Жерменом Бофраном в Париже. Он пленяет композиционной асимметричностью в размещении комнат, богатством лепных украшений, изощренностью орнаментальных узоров.
Протореализм. Это особое явление в
художественной культуре Нового времени,
впитавшее как элементы барокко (Веласкес,
Рембрандт), так и дух раннего романтизма
(А. ван Дейк, Д. Рейнольде, Т. Гейнсборо).
Обращение к повседневной жизни, быту
бюргерства и простонародья в протореализме,
как правило, не приобретало форму
социальной критики коллизий жизни.
Здесь либо быт рассматривался как
спокойный, уютный мир, либо через
изображение повседневной жизни
высвечивались отдельные человеческие
слабости и недостатки. Раньше, чем в
других странах, поворот к реалистическому
изображению повседневной жизни наметился
в Голландии.
Это было связано с победой буржуазной
революции в Нидерландах, становлением
здесь ранней формы социально-партнерского
капитализма и отражением в искусстве
потребностей бюргерства в обустроенном
быте, уютном доме, комфорте, спокойной
семейной жизни. Достижения голландских
мастеров бытового жанра были настолько
значительны, что в мировом искусстве
за ними закрепилось название *малые
голландцы» (Адриан ван Остаде, Ян Стен,
Герард Терборх, Питер де Хох и др.). В
нидерландской живописи обычная жизнь
все чаще стала изображаться как
самостоятельное явление, выходящее за
рамки античного мифа или евангельского
сюжета. Голландские художники не
героизировали повседневную жизнь, но
заставляли задуматься о ее самоценности,
иногда – с помощью образно запечатленной
нравоучительной притчи.
Наиболее
известным выразителем бытового жанра
Голландии XVII в. является Ян Вермер
(Дельфтский).
Своеобразие творческой индивидуальности
Яна Вермера (1632-1675) проявилось в ранней
работе «У сводни», построенной на
контрастных цветовых сочетаниях и
имевшей подчеркнуто нравоучительный
смысл. Последующие произведения художника
внешне мало чем отличались от жанровых
картин его современников. Даже
композиционные приемы были схожи. Это
изображения одной или нескольких фигур
в интерьерах – женщин, служанок,
кавалеров, занятых повседневными делами.
Однако художественное решение сцен
подкупает поэтичностью, гармонией и
завершенностью («Бокал лимонада»,
«Служанка с кувшином молока», «Офицер
и смеющаяся девушка», «Мастерская
живописца»). Одной из интереснейших
картин Вермера зрелого периода является
«Девушка с письмом». Композиция будто
насыщена воздухом и светом. Сочетания
красных, зеленых, золотистых красок
создают впечатление объемности комнаты,
ощущение чистоты и уюта. У Вермера
человек неотделим от повседневности
мира, которым живописец был поистине
увлечен и который находил
художественно-выразительное воспроизведение
в его произведениях.
Самым крупным представителем нидерландского протореализма являлся Рембрандт Харменс ван Рейн (1606-1669). В его живописи почти нет ярких цветов, густая сумеречная атмосфера коричневых тонов расцвечивается блеском драпировок. Свет и тени усиливают драматическое напряжение. Они не похожи на праздничную светотень барокко, это, скорее, сияние во мраке. Сложность человека с его богатым внутренним миром тревожит воображение. Главной задачей искусства Рембрандт считал нравственное возвышение личности («Портрет Яна Сикса», «Возвращение блудного сына»). Выдающимся мастером коллективного и индивидуального портрета зарекомендовал себя современник Рембрандта Франц Хальс (между 1581 и 1585-1666).
Черты протореализма и барокко соединились в творчестве Антпониса ван Дейка (1599-1641), талант которого проявился в основном в парадной портретной живописи (портреты Карла I).
В его ярких композиционно стройных
произведениях объединились высокое
профессиональное мастерство, глубина
психологического раскрытия личности
и безукоризненный вкус художника.
Он
писал в основном людей высокого
социального происхождения: монархов,
блестящих аристократов, представителей
дворянской элиты. Однако в каждом случае
им двигало стремление раскрыть характер
индивида, нюансы его настроений,
подчеркнуть грани красоты («Портрет
Томаса Уортона»).
Во Франции взгляды третьего сословия (мелких буржуа, мещан) выразил Жан Батист Симеон Шарден (1699-1779). Чаще всего живописец обращался к бытовому жанру и натюрморту, показывая жизнь простых людей и вещи, которыми они пользовались. Шарден писал незатейливые интерьеры, заботливых матерей, хлопочущих по хозяйству, трудолюбивых служанок, тихих детей. В картинах «Прачка», «Молитва перед обедом» скромность и трудолюбие прославляются Шарденом без внешних эффектов и патетики.
В Англии представителем протореализма в живописи считается Уильям Хогарт (1697-1764), который противопоставлял положительные качества буржуазии отрицательным чертам паразитарного слоя аристократии («Трудолюбие и праздность»).
В Испании черты протореализма отчетливо
проявились в творчестве Диего Родригеса
де Сильва Веласкеса (1599-1660).
Первые
самостоятельные работы Веласкеса
рассказывали о жизни простых людей. Это
были незамысловатые сцены, лишенные
сложного сюжетного действия («Завтрак»,
«Музыканты», «Водонос»). Даже тогда,
когда художник обращался к библейским
или мифологическим сюжетам, он оставался
верен приемам реалистической живописи
(«Поклонение волхвов», «Вакх»). Уязвляющий
гротеск просматривается в картине
«Менины» («Придворные»).
Культуру и цивилизацию Нового времени
очень трудно оценивать однозначно с
позиций нынешнего времени. Типологическая
характеристика этой культуры и цивилизации
сегодня является амбивалентной (двоякой).
Так, ключевой принцип рационализма,
выдвинутый в ту эпоху как исходная
мировоззренческая установка в противовес
религиозному мистицизму, не стал
преградой для негативных процессов
вуалируемого насилия над индивидуальным
человеческим Я. Более того, гносеологическая
установка рационализма, утверждавшая
резкое противопоставление субъекта и
объекта (ради методологического удобства
в познании), обусловила возможность
сначала отчуждения человека от природы,
а затем – человека от человека и
рассмотрения его не в качестве цели, а
только как средства, функции, вещи.
Передовые идеи Просвещения, провозгласившие
разумное устройство общества, свободу
и неотъемлемые права личности, в силу
своей философской отвлеченности дали
пищу и либеральным, и демократическим,
и утопическим, и волюнтаристским
(революционным) концепциям.
Однако амбивалентные оценки достижений культуры и цивилизации Нового времени не могут заслонить тот факт, что ее интеллектуальное и художественное наследие стало отправным пунктом для последующего развития философии, науки, искусства, утверждения рационалистических мировоззрений и идеологий. Оно заложило основы дальнейшего прогресса всей европейской культуры.
Белорусский государственный университет физической культуры
Реферат
На тему: «ценности культуры в новое время»
Кафедра: истории и философии
Преподаватель: Машепуд Сергей Андреевич
Студентка 215 группы
Данилевич Татьяна
Минск 2012
Лучшее из женской моды 1970-х — винтажная одежда 70-х и модные тенденции
1970
Архив Майкла Окса // Getty Images Певица Дайана Росс статна в бронзовом атласном платье с пышными рукавами.
Вялая выдумка — визитная карточка десятилетия.
1970
Тим Грэм//Getty ImagesПоющий дуэт The Three Degrees, Шейла Фергюсон, Валери Холидей и Фейет Пинкни использовали силуэты с животом и легкие клеш.
1970
Getty ImagesГолди Хоун выглядит по-летнему в желтом укороченном топе с рюшами и темно-синей юбке. Дамы не боялись экспериментировать с цветом.
Advertisement — Продолжить чтение ниже
1970
Art Zelin//Getty ImagesБьянка Джаггер доказала, что она была золотой девушкой десятилетия в этом хромированном платье с бретельками на шее. Внешний вид Studio 54 продолжает находить отклик.
1970
Getty ImagesРасслабившись в плетеном подвесном кресле с цветочными акцентами, модель одета в тунику с длинными рукавами, сверкающие колготки и туфли с металлизированными носками. Никто не делал бохо лучше, чем 70-е.
1970
Getty Images Джеки Кеннеди выходит в классической черной водолазке, пальто с поясом и идеально сшитых брюках.
Это были не все платья в стиле диско, пошив был королем.
Реклама — Продолжить чтение ниже
1970
Getty ImagesМодель в мини-юбке, которая прошлась по подиуму на показе мод Пьера Кардена в Берлине, Германия. В начале 70-х все еще были проблески силуэтов 60-х.
1970
Getty Images Культовая супермодель 60-х Джин Шримптон отдыхает на диване в цветочном мини-платье и черных туфлях Мэри Джейн. Этот образ по-прежнему актуален.
1970
Getty ImagesКатрин Денев надевает мужской жилет поверх классической зеленой блузки, юбки до колен с цветочным принтом и коричневых кожаных сапог до колен. Считайте этот образ умным и утонченным.
Advertisement — Продолжить чтение ниже
1970
Getty ImagesДиана фон Фюрстенберг и муж принц Эгон фон Фюрстенберг носят одинаковые клетчатые рубашки на пуговицах и брюки с поясом. Она с легкостью носила образы, выходящие за рамки платья с запахом.
1970
Getty Images Нет ничего лучше 70-х, чем многоцветное лоскутное платье с эффектными рукавами-фонариками.
1970
Getty ImagesВсе в коже. Эта повседневная красная футболка поможет бордовой лакированной шляпе, куртке и подходящей мини-юбке в сочетании с черными лакированными ботинками не выглядеть чрезмерно.
Реклама — Продолжить чтение ниже
1970
Getty ImagesМодель Селия Хаммонд, которая в настоящее время является активисткой против меховой промышленности, была запечатлена в уютной дубленке поверх топа, мини-юбке и сапогах до колен. Этот взгляд просто классный.
1970
Getty ImagesЖенщина демонстрирует яркое пальто из искусственного меха от дизайнера Осси Кларка, идя по улице. Кларк был главным дизайнером десятилетия.
1970
Getty ImagesМодель гуляет по пляжу в оранжевом комбинезоне без рукавов с поднятым воротником и застежкой-молнией спереди, что добавляет элемент авантюризма в ее в остальном непринужденный наряд. В целом, комбинезоны были в моде.
Реклама — Продолжить чтение ниже
1970
Getty Images Обнажая кожу в комбинезоне от Lolli Popowska, эта модель сочетает дерзкий образ с парой гофрированных туфель-чулок на низком каблуке.
1970
Getty ImagesМодель Моника Платне сфотографирована в черно-серебристом принтованном платье и подходящем головном уборе. Координация вашего головного убора с вашим платьем была опорой.
1971
Getty ImagesЭта модель, позирующая в осенней листве, одета в осеннее пальто с капюшоном и парой ботинок.
Advertisement — Продолжить чтение ниже
1971
Getty ImagesСинее макси-платье в горошек из весенне-летней коллекции от-кутюр Кристиана Диора 1970 года.
1971
Getty Images Модель одета в бикини, сетчатое прикрывающее платье и белые сапоги выше колена.
Дженнифер Алгу
Директор по визуальным эффектам
Дженнифер Алгу — директор по визуальным эффектам в Harper’s BAZAAR. Она окончила Школу визуальных искусств и ранее работала в компании Patrick McMullan, а также проходила стажировку в Martha Stewart Weddings, Vogue и CosmoGirl! Журнал. Дженнифер освещает королевский, знаменитый и художественный контент, а также следит за всеми визуальными активами на BAZAAR.
com. Когда она не одержима королевской семьей, вы можете увидеть, как она пытается раскрыть нераскрытые дела в качестве кабинетного детектива, путешествуя и экспериментируя с новыми рецептами.
Николь Сондерс
Редактор по красоте
Николь Сондерс — редактор по красоте на сайте BestProducts.com, курирующий освещение всего, что связано с красотой. Она обладает семилетним опытом цифрового письма и редактирования, и ее работы появлялись на NBC, CNN, Billboard, The Hollywood Reporter, Harper’s BAZAAR, Cosmopolitan, Women’s Health и Well+Good. Когда она не создает путеводители по магазинам, не берет интервью у экспертов и не тестирует косметические процедуры, вы, вероятно, можете найти ее прогуливающейся по нижнему Манхэттену или чрезмерно анализирующей последнюю серию 9.0110 Правопреемство . Вы можете отправить все рекомендации по помаде и кальмарам на ее почтовый ящик и DM ее мемы на Instagram.
5 самых ярких модных тенденций викторианской эпохи
По мере того, как во время промышленной революции одежда становилась дешевле и быстрее, новые, иногда возмутительные модели одежды становились шикарными.
Автор: Мишель Сайка
Опубликовано:
Mustang media AB/Heritage Images via Getty Images01, был периодом быстрых экономических и социальных изменений, вызванных промышленной революцией. Это оказало глубокое влияние на каждую отрасль, включая моду. По мере того, как одежда становилась дешевле и быстрее, она стала доступной для широких масс.«Все, от прядения и ткачества до корсетов, формованных паром, стало промышленным, а это означало, что мода стала доступной для всех слоев общества», — говорит Валери Стил, директор и главный хранитель музея FIT.
Мужчины и женщины из рабочего класса могли носить ту же одежду, что и аристократы, хотя они покупали модели массового производства из более дешевых материалов. Новые способы розничной торговли, включая универмаги, журналы и каталоги с доставкой по почте, означали, что каждый мог идти в ногу с последней модой. В результате силуэты и тенденции быстро изменились по сравнению с более ранними эпохами.
По словам Стила, одним из наиболее заметных изменений стало то, что мода стала дифференцироваться по полу, а не по классу. Это отражало демократизацию моды, а также изменение роли женщины в обществе.
«В 18 веке и мужчины, и женщины носили очень декоративную шелковую одежду, которая отличала их от остального общества, — объясняет Стил. «Но в 19 веке женская мода распространилась по всем социальным классам и стала сильно отличаться от одежды, которую носили мужчины. Мужчины стали одеваться в темную шерсть, а женщины — в разноцветные шелка».
Ниже приведены некоторые известные модные тенденции викторианской эпохи.
Новые, экстравагантные оттенки
The Print Collector/Heritage Images via Getty ImagesВикторианская модель для французского издания La Mode, 1890 год, на которой изображено модное фиолетовое платье.
Многие из величайших изобретений в истории были созданы случайно, например, пенициллин, спички, печенье с шоколадной крошкой. То же самое относится и к синтетическому красителю, разработанному британским химиком Уильямом Генри Перкином в 1853 году, когда он пытался разработать лекарство от малярии.
Соединение, получившее название «лиловый», дает яркие фиолетовые оттенки при использовании в качестве красителя для шелка, хлопка и других тканей. Новый оттенок быстро прижился, и даже королева Виктория надела ярко-фиолетовое платье на Международную выставку 1862 года в Лондоне. Как написал писатель Оскар Уайльд в своем знаменитом эссе о моде 1885 года Философия платья , «Хороший цвет всегда доставляет удовольствие».
До открытия Перкина красители тщательно получали из природных источников, таких как насекомые и растения, что делало их непомерно дорогими для всех, кроме самых богатых членов общества.
«Красители были одним из маркеров большого класса, — объясняет Валери Стил, директор и главный хранитель музея FIT. «Они были очень дорогими, а потому очень элитными. Внезапно они стали доступны каждому. Розовый, для которого требовались очень дорогие красители из Бразилии и Суматры, внезапно стал популярным цветом, который могли носить даже служанки».
В результате богатые женщины в конце 19 века начали носить бледно-розовые цвета, чтобы отличаться от низших классов и их ярких пурпурных платьев.
Перчатки на все случаи жизни
Mondadori Portfolio / Contributor/Getty Images«Городской танец», Пьер-Огюст Ренуар, 1883 г. Ожидалось, что модные мужчины и женщины викторианской эпохи будут появляться на публике в перчатках.
Викторианцы были озабочены классом, а мода была одним из способов раскрыть или скрыть свой статус в обществе. Руки могли многое рассказать о чьем-то положении в социальной иерархии, а мягкие, тонкие и белые руки считались признаком утонченности. Они означали, что ваши руки не подвергались воздействию солнца или физического труда, из-за которого кожа могла стать загорелой, мозолистой и грубой. В результате и мужчины, и женщины носили перчатки не только для защиты кожи от непогоды, но и для того, чтобы скрыть последствия рабочего труда на руках.
В общественных местах женщины всегда носили перчатки, и считалось неприличным показывать свои голые руки вне компании семьи или друзей.
Ожидалось, что мужчины также будут в перчатках, хотя для мужчин было более приемлемо снимать перчатки на публике, например, при рукопожатии знакомого. Для разных случаев ожидались разные перчатки.
Согласно «Книге этикета для джентльменов и Руководству по вежливости , », опубликованной в 1860 году, джентльмен из высшего сословия может носить шесть разных пар перчаток за один день, в зависимости от его социального календаря.
Веер как инструмент для флирта
Photo12/Universal Images Group via Getty Images«Флирт с веером», картина Генри Гилларда Глиндони (1852-1913).
Подобно джинсам с низкой посадкой в современную эпоху, веера то входили, то выходили из моды с момента их изобретения более 4000 лет назад в Египте. В викторианскую эпоху они снова стали чрезвычайно популярными, отчасти потому, что позволяли незамужним женщинам вести себя игриво и кокетливо, сохраняя при этом строгие социальные условности той эпохи.
Раскрывая, закрывая или взмахивая веером, женщина могла посылать закодированные сообщения, не произнося ни слова.
Парижский производитель вееров Жан-Пьер Дювеллеруа, изготовивший веера для самой королевы Виктории, опубликовал листовку под названием The Language of the Fan , объясняющую, что означает каждый жест. Например, поднесение ручки веера к губам означало поцеловать меня. Оскар Уайльд даже написал популярную пьесу Веер леди Уиндемир , о силе этих тонких увертюр.
Вентиляторы были популярны среди всех слоев общества. Согласно Викторианским модным аксессуарам от Ариэля Божо, женщины из высшего сословия носили большие богато украшенные веера, изготовленные из ценных материалов, таких как слоновая кость и шелк, и украшенные крашеными чертами страуса. Женщины из низшего сословия покупали фанаты массового производства, а некоторые незамужние женщины даже нашли работу по их изготовлению во второй половине 19 века в растущей индустрии изготовления вентиляторов.
«Индустрия моды предоставила работу большому количеству женщин, и их роль в рабочей силе возросла, — говорит Стил.
Одним из заметных сдвигов в викторианскую эпоху является то, что женщины перешли от ведения собственного швейного бизнеса к работе на фабриках и в ателье, принадлежащих мужчинам, поскольку индустриализация преобразовала отрасль.
Bustles
Hulton Archive/Getty ImagesМай 1884: поздневикторианские «платья для цветочных выставок и приемов в саду» с высокими турнюрами и приталенными линиями корсета.
Задолго до Ким Кардашьян женщины викторианской эпохи сделали преувеличенный зад пик моды. Это было достигнуто благодаря изобретению суеты в 1857 году американским изобретателем по имени Александр Дуглас. Нижнее белье, которое обхватывало талию и имело металлическую клетку или мягкую подушку, турнюры были разработаны, чтобы создать полную округлую форму сзади платья и обеспечить поддержку для тяжелых, сложных юбок.
Кринолин
Hulton Archive/Getty Images Серия изображений, изображающих викторианских женщин в кринолинах, около 1860 года. Изготовленные из очень жесткого плетения из конского волоса или стальных клеток, кринолины были популярны среди женщин всех социальных слоев, несмотря на то, что они были неудобны и непрактичны: подняться по лестнице или сесть в кринолине было почти невозможно.
Более того, они были опасны. В 1858 году в выпуске New York Times от 16 марта сообщалось, что молодая женщина из Бостона умерла после того, как ее кринолин загорелся; в той же статье было обнаружено, что за предыдущие два месяца в Лондоне было зарегистрировано 19 подобных смертей от кринолина. Газета Times писала, что эта опасность должна заставить юных леди «чрезвычайно осторожничать в своих движениях и поведении, если она не удержит их от принятия столь чреватой опасностями моды».
Heritage Images / Contributor/Getty ImagesКлетка (с турнюром), используемая для придания формы платью.
В 1860-х годах женщины стали отдавать предпочтение турникету, который создавал стройный силуэт спереди и по бокам. Это было немного более практично, но все же требовало от женщин жертвовать движением и комфортом, чтобы достичь модной формы. Турнюры тяжело свисали с талии, вызывая боли в спине, и требовали от женщин изгибаться, чтобы сесть. В 1888 году The Boston Medical and Surgical Journal опубликовал письмо врача, в котором осуждаются пагубные последствия суеты.